En el lenguaje audiovisual, el plano cinematográfico es la unidad mínima de construcción narrativa. Cada tipo de plano responde a una intención dramática, emocional, rítmica o estética. Repaso a continuación los principales tipos de planos en el cine.

Desde los pioneros del Cine Mudo hasta los más innovadores cineastas contemporáneos, la teoría y la práctica de los planos han evolucionado como reflejo de los cambios en la tecnología, el pensamiento estético y las sensibilidades culturales de cada época. La realidad es que la elección y combinación de los planos en una obra audiovisual definen el estilo de un director, el tono de la misma y la manera en que el espectador percibe la historia.

Podemos distinguir diferentes tipos de planos en función de la posición de la cámara y de su distancia a la escena que se filma. Éstos son los más relevantes.

1. Tipos de planos: descripción y ejemplos

En función de la cercanía de la cámara a la escena y/o sujeto, surgen varios tipos de planos que se denominan y definen como sigue:

1.1. Empezamos con el Plano general

El Plano General muestra el entorno completo y sitúa a los personajes en un contexto. Suele emplearse para abrir una escena o destacar la relación entre figura y paisaje. Buenos ejemplos los tenemos en Lawrence de Arabia (David Lean, 1962), con su célebre plano del desierto donde un jinete emerge en la lejanía, subrayando la inmensidad del espacio y la soledad del protagonista. También en Nomadland (Chloé Zhao, 2020), donde el plano general destaca la vastedad del paisaje americano frente a la fragilidad humana.

1.2. Seguimos con el Plano Entero

En el siguiente escalón estaría el Plano Entero. En él vemos al personaje de cuerpo completo. Al presentar así a la figura, se mantiene una cierta distancia emocional y se permite al espectador observar el lenguaje corporal de la misma. En Cantando bajo la lluvia (Stanley Donen y Gene Kelly, 1952), los números musicales emplean planos enteros para captar la coreografía completa. Wes Anderson en sus películas (Moonrise Kingdom, 2012), utiliza con frecuencia este tipo de plano con encuadres simétricos para reforzar el tono lúdico y teatral que le da a sus obras.

1.3. Vamos con el Plano Americano

Es un plano clave en la historia del cine americano y muestra al personaje desde las rodillas hasta la cabeza. Su origen se remonta al Western, donde es importante mostrar la pistola en la cartuchera del personaje. Un ejemplo paradigmático de uso del Plano Americano podría ser el que se hace en una de las 5 Mejores Películas del Oeste: Hasta que llegó su hora (Sergio Leone, 1968), donde el plano americano enfatiza la tensión del duelo.

1.4. Plano medio

Encuadra al sujeto de la cintura hacia arriba. El Plano Medio se utiliza principalmente en las escenas de diálogo y es uno de los planos más usados por su equilibrio entre expresión facial y lenguaje corporal. Lo vemos aplicado de forma magistral por Billy Wilder en El Apartamento (1960), donde las interacciones entre Jack Lemmon y Shirley MacLaine transmiten ternura y desencanto.

1.5. Primer plano

Este tipo de plano, junto al primerísimo primer plano, muestra el rostro de cerca. Expone las emociones del personaje y concentra la atención del espectador. Inolvidables son los primeros planos de Falconetti en La pasión de Juana de Arco (Carl Theodor Dreyer, 1928), que transmiten un dolor místico y humano. Sin embargo, en Requiem por un sueño (Darren Aronofsky, 2000), los primeros planos extremos subrayan el deterioro psicológico de los personajes.

 1.6. Plano detalle

Captura un objeto o parte del cuerpo con gran cercanía. Aporta significación o crea suspense, de ahí que sea muy significativo su uso en películas de este género. En Pulp Fiction (Quentin Tarantino, 1994), por ejemplo, el plano detalle del maletín sin que nunca se sepa su contenido le añade misterio. En Blade Runner 2049 (Denis Villeneuve, 2017), los detalles tecnológicos refuerzan el universo distópico.

En función de la disposición de la cámara, pueden distinguirse otros tipos de planos. A saber:

1.7. Aberrante o Plano holandés

Es un encuadre inclinado respecto al eje horizontal de la cámara; es decir, la imagen aparece torcida. Se emplea para transmitir inestabilidad, tensión psicológica, confusión, peligro inminente o una alteración del orden natural. Muy útil en thrillers, Películas de Terror o escenas donde los personajes pierden el control. Un ejemplo que me gusta es El Tercer Hombre (1949) donde Carol Reed utiliza el plano holandés para mostrar el desorden de la Viena de posguerra y la moral ambigua del protagonista. Otro ejemplo válido sería Do the Right Thing (1989) donde Spike Lee utiliza el plano inclinado para mostrar el creciente conflicto racial en el barrio, reflejando tensión y desequilibrio emocional.

1.8. Plano picado

En este tipo de plano la cámara se sitúa por encima del personaje u objeto, apuntando hacia abajo. El sujeto queda “aplastado” visualmente por el encuadre de forma que sirve para empequeñecer o debilitar al personaje, mostrando su vulnerabilidad, sumisión, derrota o inferioridad. También puede generar una visión objetiva o fría. Y si no veamos Ciudadano Kane (1941). Aunque el maestro Orson Welles es más célebre por el contrapicado, también emplea planos picados para mostrar el aislamiento de Kane en momentos clave. Otro de los Directores más Influyentes, Alfred Hitchcock lo utiliza en Psicosis (1960) tras el asesinato en la ducha, un plano picado desde el techo, casi omnisciente, sirve para mostrar la limpieza del crimen por parte de Norman Bates, que, dicho sea de paso, es uno de mis 5 Personajes Favoritos del Cine de Terror.

1.9. Plano contrapicado

Cuando la cámara se sitúa por debajo del personaje, apuntando hacia arriba, hablamos de plano contrapicado, que hace al personaje parecer elevado, casi imponente. Se utiliza para transmitir poder, autoridad, grandeza, amenaza o incluso divinidad. Además, puede reforzar una mirada subjetiva desde alguien más débil o generar admiración. Buenos ejemplos de ello los tenemos en películas como El acorazado Potemkin (Serguéi Eisenstein, 1925) en cuya famosa secuencia de las escaleras de Odesa, el contrapicado enfatiza la brutalidad de los soldados zaristas, dándoles un carácter casi monstruoso. Otro caso sería El Padrino (Francis Ford Coppola, 1972) donde Vito y Michael Corleone son a menudo filmados en contrapicado, reforzando su posición de poder e intimidación. También se utiliza el contrapicado para acentuar el simbolismo de un personaje como hace Christopher Nolan en El Caballero Oscuro (2008) con Batman.

1.10. Terminamos con el Plano cenital

El plano cenital es un tipo de encuadre fotográfico y cinematográfico en el que la cámara se sitúa encima del sujeto. Como resultado, el espectador tiene la visión como si mirara desde el cielo. Su uso responde al gusto e intención del director. Sirve para mostrar la deshumanización o insignificancia del personaje, para enfatizar una coreografía, para crear tensión, para sugerir una mirada omnisciente o simplemente para ubicar la escena en su entorno.

En ese precursor del género Slasher que es Psicosis (1960), apreciamos el plano cenital en la escena del asesinato del detective Arbogast en las escaleras. Alfred Hitchcock emplea este tipo de plano para mostrar su caída. Al hacerlo así, se refuerza la idea de un destino fatal. En la obra maestra del Expresionismo Alemán que es Metrópolis (1927), Fritz Lang emplea planos cenitales para mostrar a los obreros marchando de forma mecánica, destacando su pérdida de identidad en la sociedad industrial. Stanley Kubrick en El Resplandor (1980) recurre a un plano cenital de Danny recorriendo los pasillos del hotel en triciclo, un punto de vista que intensifica la tensión.

2. Teoría de los tipos de planos según algunos teóricos del cine

2.1. André Bazin

Co-fundador de Cahiers du Cinéma, estuvo en el epicentro de la Nouvelle Vague. Bazin defendía el uso del plano-secuencia y la profundidad de campo como las mejores formas expresivas del mundo que nos rodea. Para Bazin, el cine debía registrar la realidad sin fragmentarla. Un buen ejemplo sería Ciudadano Kane (Orson Welles, 1941), con abundantes planos largos y de gran profundidad de campo que permiten al espectador elegir dónde mirar.

2.2. Sergei Eisenstein

Como teórico del montaje intelectual, defendía la fragmentación del plano y la contraposición de imágenes como forma de narrar. Fue sin duda otro de los directores más influyentes de la historia del cine. En su archiconocida El Acorazado Potemkin (1925), los planos fragmentados de la secuencia de las escaleras de Odesa crean un ritmo emocional e ideológico.

2.3. David Bordwell

Fue un gran analista del cine clásico de Hollywood. Estudió cómo los tipos de planos y sus encadenamientos crean un sistema coherente de representación narrativa. En su modelo, el plano no es aislado, sino parte de una gramática visual invisible.

3. Tendencias contemporáneas en el uso de los planos

En el cine moderno y posmoderno, los directores exploran nuevas formas expresivas a través del tipo de plano:

• El Plano Secuencia se ha convertido en una firma de estilo. Véanse, si no Hijos de los Hombres (Alfonso Cuarón, 2006) o 1917 (Sam Mendes, 2019), donde el plano largo intensifica la inmersión emocional.
• El uso del plano fijo prolongado, heredado de Ozu o Tarkovski, regresa en el cine de autor contemporáneo (como el de Béla Tarr o Tsai Ming-liang), privilegiando la contemplación sobre la acción.
• El plano subjetivo gana terreno en películas de terror como en REC (Jaume Balagueró y Paco Plaza, 2007) o Hardcore Henry (Ilya Naishuller, 2015), donde la cámara simula el punto de vista del personaje.
• En series y plataformas digitales, proliferan los primeros planos intensos debido al consumo en pantallas pequeñas, priorizando la emoción facial sobre la puesta en escena espacial.

El plano cinematográfico no es solo una cuestión técnica: es una herramienta ideológica, narrativa y estética. Cada época, escuela y cineasta ha encontrado en él una forma distinta de mirar el mundo. Del hiperrealismo que tanto gustaba a Bazin al montaje dialéctico de Eisenstein, del clasicismo de Ford al virtuosismo de Iñárritu, los planos son la esencia del cine y su evolución nos revela tanto sobre el lenguaje cinematográfico como sobre la sensibilidad de cada generación.