Durante la Transición española, el cine español se diversifica. Junto a otras tendencias temáticas, como el Cine Quinqui, el Cine Político o la Comedia, aparecen interesantes producciones que vierten al cine obras de literatura de diferentes épocas. Por ello dedico este post a las mejores adaptaciones literarias en el cine español de la Transición.

Para abordarlo, he seleccionado las películas que me parecen más relevantes del periodo estudiado. Todas ellas se realizan en los años 80, excepto la última que se mete ya en los 90.

Mejores adaptaciones literarias en el cine español de la transición.

1. Bodas de sangre (1981) de Carlos Saura

En 1981 Saura comienza una colaboración con el bailarín y coreógrafo Antonio Gades y el productor Emiliano Piedra. Tras ver su ballet teatral Bodas de sangre, el director les propuso llevarlo al cine, con lo que inició un género de musical genuino y alejado de los moldes anglosajones.

Con la película Bodas de sangre inventó un nuevo género de película de danza y contribuyó con ello a la difusión que experimenta el baile español en el mundo en aquellos años. A partir de la obra de Federico García Lorca, la película prescinde de decorados realistas y apuesta por un espacio escénico casi vacío. La cámara de Teo Escamilla se centra en el movimiento de los cuerpos, especialmente en la coreografía de Antonio Gades. El montaje sigue el ritmo de la música flamenca, creando una estructura puramente musical. La ausencia de diálogos refuerza el protagonismo del lenguaje corporal.

Tras Bodas de sangre vinieron Carmen (1983) y El Amor Brujo (1986). Estas películas tuvieron éxito internacional en festivales como Cannes y en los Premios Oscar, donde Carmen representó a España en 1983.

2. El sur (1983) de Víctor Erice

La adaptación de Víctor Erice de la novela de Adelaida García Morales representa un caso singular: una obra inacabada que, sin embargo, alcanza una enorme coherencia estética. Aunque la novela todavía no había sido publicada, la historia atrajo tanto a Erice como al productor Elías Querejeta. Se concibió como una película de 2h30m.

La primera parte contaría la infancia de Estrella, la joven protagonista que siente una gran admiración hacia su misterioso y reservado padre. Esta parte terminaría con el suicidio del mismo, incentivando el viaje de Estrella a Andalucía para conocer a su familia paterna en busca de respuestas. La segunda parte, que iba a contar con Fernando Fernán Gómez, nunca llegó a rodarse por motivos relacionados con la financiación. La película resultante está mutilada, con un final abierto.

A pesar de las polémicas que rodean a la producción, El Sur es una de las mayores obras maestras del cine español. Erice utiliza la novela como punto de partida para elaborar un universo rico en detalles, sumamente sensible, visualmente espectacular y profundamente melancólico.

La película plantea varios misterios sin resolver y se nutre de ellos, en vez de convertirse en agujeros de guion. Las relaciones familiares y los fantasmas del pasado son los dos pilares sobre los que se construye la historia, que por otro lado queda perfectamente ensamblada. Su puesta en escena es un milagro tras otro. Utiliza la luz y los espacios para hacer un viaje introspectivo a la psicología de sus personajes, aplicando técnicas de claroscuro y jugando con contrastes entre interiores y exteriores.

El lirismo del director ha servido como inspiración para muchos cineastas españoles, que reivindican El Sur como una obra imprescindible.

3. Los santos inocentes (1984) de Mario Camus

Basada en la novela homónima de Miguel Delibes, publicada en 1981, muestra la incultura y la pobreza a la que se veían sometidos los trabajadores de los latifundios fronterizos con Portugal.

El guion corre a cargo de tres guionistas, incluyendo al propio Camus. Cada uno hizo una escaleta diferente y posteriormente se redujeron los seis episodios que componen la novela a solo cuatro. Después de ello, se partió la escaleta en cuatro partes, dando como resultado la estructura de la película. La película narra las vivencias y humillaciones de una familia de campesinos a las órdenes de los señores de un cortijo extremeño.

Presenta una época negra de la historia de España. Supone un retrato perfecto del sometimiento, triste y ruin, de los ricos sobre los pobres en la España rural de los años sesenta. Una historia de jerarquías humanas zurcida a través de los ojos de cuatro miembros de una familia. En esta dehesa pacense todo huele. La bruma matinal, el humo de los puros de los señoritos, el pis en las manos… Tan tangible, tan realista, tan hiriente, tan cruda que la sientes en tus propias carnes.

4. El viaje a ninguna parte (1986) de Fernando Fernán Gómez

Fernando Fernán Gómez adapta al cine su propia novela homónima. La película narra la historia de un grupo de cómicos, la historia de sus amores y desamores, de sus deseos y sus frustraciones.

A lo largo del viaje, el trabajo se entremezcla con el amor, los problemas económicos, el hambre y el triunfo soñado. Mientras tanto, en la postguerra española, el milagro cinematográfico va llegando a las ciudades y a los pueblos, y la gente ya no quiere ver teatro, lo que hace incierto el futuro de la compañía.

Película de herencia cervantina, como toda la obra de Fernán Gómez, que entiende e interpreta España desde dentro. Encara todos sus males morales reconduciéndolos al absurdo. Así desvela una estructura social de forma muy elocuente, como ya hizo en El Mundo Sigue y otras películas.

El punto de vista deriva en varios personajes, siendo el de Sacristán el que tiene cierto ánimo fabulatorio, lo que le convierte en un personaje con peso discursivo. Aquí, el alegato comunitario contra el cine se lleva a cabo desde dentro del propio cine.

5. El perro del hortelano (1996) de Pilar Miró

Pilar Miró adapta al cine la comedia escrita por Lope de Vega. Es una película enteramente hablada en verso respetando el texto original y apostando por su lírica.

Diana, condesa de Belflor, es una joven perspicaz, impulsiva e inteligente. Está enamorada de Teodoro, su secretario, pero descubre que éste ya está comprometido con la dama Marcela. Movida por los celos y la envidia, todo su afán se centra en separar a los dos enamorados. Cuando consigue separarlos, su interés por Teodoro decae, sumiéndole en un gran estado de confusión, al no entender qué espera de él la condesa.

La película es una celebración de la belleza asociada al amor y al ingenio. Desde la localización hasta el vestuario, pasando por la excelente interpretación del reparto, los recursos empleados están al servicio de un hermoso espectáculo que solo requiere de la complicidad del público.