Luis García Berlanga representa una de las miradas más cáusticas y críticas del cine español del Franquismo. Sus películas no son solo comedias, sino un espejo de su particular visión de España. Dedico esta entrada a Luis García Berlanga y la comedia española.

Su carrera se extendió a lo largo de cuatro décadas. Su mérito: retratar con ironía, inteligencia y amargura la realidad social y política de un país y convertir su propio universo en el universo de todos los españoles. O viceversa.

La comedia española, al igual que la comedia italiana, basa sus cimientos en la propia sociedad sobre la que se asienta. Definitivamente, no sería igual sin la figura de Luis García Berlanga.

1. Los inicios de Luis García Berlanga.

Luis García Berlanga vivió desde niño la tensión política con un padre republicano en una familia conservadora. Su propia historia le enseñaría que nada es blanco o negro, sino que existen grises infinitos y que la ambigüedad y la contradicción habitan en cada uno de los españoles.

Su vocación por el cine que se despierta al ingresar en el Instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas de Madrid, donde entabla una relación fundamental con Juan Antonio Bardem, que fue un director de suma importancia en esos años.

Con él codirige su primera película, Esa pareja feliz (1951), una obra que resultó clave en la renovación del cine español de posguerra. Retrata espacios urbanos modestos y refleja los esfuerzos de la clase media española por salir adelante en la España de esos años cuestionando el ascenso social y oponiendo la cruda realidad al discurso oficial. Desde un punto de vista formal, la película es realmente sencilla. Combina elementos del Neorrealismo italiano con una estructura episódica.

2. El nacimiento del mito Luis García Berlanga

Tras su debut antes citado, Berlanga alcanza reconocimiento internacional con Bienvenido, Mister Marshall (1953), sátira sobre la España rural que espera ingenuamente la llegada de la ayuda estadounidense. La película, premiada en Cannes, evidencia ya varias de sus constantes: crítica política indirecta, humor ácido y observación coral de la sociedad.

En esta etapa inicial también destacan Calabuch (1956) y Los jueves, milagro (1957), la cual fue duramente mutilada por la censura, hasta el punto de alterar su discurso. Combina inteligentemente elementos costumbristas, bajo una mirada humanista y amable, con diálogos envenenados plagados de humor ácido o incluso negro. Su mala experiencia con Los jueves, milagro obligó a Berlanga a desarrollar una estrategia narrativa sofisticada: eludir la censura mediante la sátira y la alegoría. Decir mucho sin que se notara demasiado.

3. Contexto político y social del primer cine de Berlanga: el Franquismo.

El cine de Berlanga no puede entenderse sin el contexto político en el que se desarrolló. Al igual que otros cineastas, tuvo que trabajar en un régimen de censura. Las virguerías que tuvieron que hacer les ayudaron a desarrollar un lenguaje indirecto que les permitieron criticar la realidad sin enfrentarse frontalmente al poder.

Películas como Plácido (1961) o El verdugo (1963) son magníficos ejemplos. En ellas se abordan temas como la hipocresía social o la pena de muerte, pero se hace a través de la comedia negra y del absurdo. Plácido, por ejemplo, denuncia la falsa caridad oficialista sin que levantara ampollas, ya que se presenta como una comedia navideña. En El verdugo, Berlanga retrata a un pobre hombre obligado a convertirse en ejecutor para acceder a una vivienda, evidenciando la violencia estructural del sistema y la pena de muerte en sí.

4. Características del cine de Berlanga

El estilo de Berlanga es único e inconfundible, tanto que ha dado lugar a su propio adjetivo “berlanguiano”.

4.1. Estilo Cinematográfico de Luis García Berlanga

Su cine funciona como una coreografía de personajes, donde cada figura representa una posición dentro del entramado social. Este enfoque convierte sus películas en auténticos microcosmos de la sociedad española.

Son algunas de sus constantes:

• Narrativas corales sin un único protagonista.
• Diálogos superpuestos que generan caos sonoro.
• Uso del espacio como escenario de conflicto social.
• Ironía constante que oscila entre lo cómico y lo trágico.

4.2. Elementos «berlanguianos» recurrentes

4.2.1. El plano secuencia en el cine de Berlanga

Uno de los elementos más distintivos es el uso del plano secuencia con múltiples personajes hablando simultáneamente. Esta técnica genera una sensación de caos organizado, en la que la cámara crea complejas coreografías con los intérpretes sin nunca llamar la atención sobre el propio plano.

4.2.2. Berlanga y el humor negro y la sátira

Berlanga utiliza la comedia como arma crítica. Su humor no es evasivo, sino profundamente político, capaz de abordar temas como la pobreza, la burocracia o la pena de muerte. Aquí entra una figura fundamental en su vida y en sus películas: el guionista Rafael Azcona.

4.2.3. El esperpento y el costumbrismo de Berlanga

Su cine mezcla el realismo cotidiano con elementos grotescos, creando una estética cercana al esperpento literario. Partiendo de situaciones muy concretas de la sociedad española, Berlanga logra construir relatos con resonancia universal.

4.2.4. La colectividad frente al individuo en el cine de Berlanga

El protagonista en Berlanga nunca es completamente autónomo: siempre está condicionado por el grupo. Sus personajes intentan mejorar su situación, pero terminan atrapados en estructuras sociales rígidas. Ya sea la familia, la Iglesia o el Estado, todas aparecen como sistemas que generan contradicciones y conflictos.

4.2.5. Colaboradores fundamentales de Berlanga

A lo largo de su carrera, Berlanga trabajó con algunos de los nombres más importantes del cine español:

• Juan Antonio Bardem: compañero de formación y amigo íntimo.
• Rafael Azcona: su colaborador más importante. Juntos desarrollaron algunas de las mejores películas del cine español, como Plácido o El verdugo, elevando el humor negro, la crítica social y la construcción coral de los personajes hasta su punto más alto.
• Actores como José Luis López Vázquez, José Isbert o Nino Manfredi contribuyeron a dar forma a su universo interpretativo.

5. Las 4 mejores películas de Luis García Berlanga

5.1. Bienvenido, Mister Marshall (1953)

En esta obra clave, Berlanga construye un relato coral que gira en torno a la espera de la ayuda estadounidense del Plan Marshall. La película articula su crítica a través de la expectativa: un pueblo entero se transforma para agradar a unos visitantes que, cuando finalmente llegan, les ignoran.

Destaca el uso del narrador omnisciente, en busca de esa coralidad característica bajo una mirada analítica pero irónica. Emplea secuencias oníricas, los sueños de los habitantes, que refuerzan esta dimensión subjetiva y satírica. Cada sueño revela los deseos y estereotipos de los personajes, funcionando como una radiografía psicológica colectiva.

La película aborda la dependencia cultural y económica, así como la construcción de identidades ficticias. España aparece como un país que se representa a sí mismo para el otro.

5.2. Plácido (1961)

Escrita junto a Rafael Azcona, esta película supone uno de los puntos más altos del cine berlanguiano. La historia, una campaña navideña en la que burgueses invitan a pobres a cenar, funciona como una sátira tan divertida como devastadora.

Formalmente, Plácido es un prodigio de construcción temporal: toda la acción transcurre en un solo día, generando una sensación de urgencia constante. El uso del plano secuencia y la acumulación de personajes crean un caos controlado que ha pasado a la historia del cine.

Plácido desmonta la idea de caridad cristiana como gesto moral. Berlanga y Azcona muestran cómo la solidaridad se convierte en espectáculo, subordinada a intereses económicos y de imagen. Considerándola una sátira absoluta, el protagonista, atrapado en sus deudas, encarna la imposibilidad de escapar del sistema.

5.3. El verdugo (1963)

Es otra de las obras maestras del cine español. El verdugo lleva la crítica berlanguiana a su máxima expresión. La historia de un hombre que hereda el oficio de verdugo para conseguir una vivienda articula una reflexión sobre la violencia institucional.

Desde el punto de vista formal, la película combina el tono cómico con una progresiva acumulación de tensión. El clímax, la ejecución, se construye mediante un uso magistral del espacio y del fuera de campo, evitando el espectáculo directo para centrarse en la experiencia emocional del protagonista. Este final crea una imagen para el recuerdo.

Berlanga aborda algo tan comentado en estos días como es la “banalidad del mal”: el protagonista no es un monstruo, sino un individuo corriente atrapado en un sistema que normaliza la violencia. La crítica no se dirige solo al régimen, sino a la sociedad que lo sostiene.

5.4. La escopeta nacional (1978)

Ya en la Transición, Berlanga dirige su mirada hacia las élites económicas y políticas. En esta película, las cacerías son retratadas como el espacio donde se negocian favores, influencias y alianzas económicas y políticas. Sátira en estado puro.

El espacio cerrado de la finca permite una intensificación del caos coral. Los diálogos superpuestos alcanzan aquí uno de sus niveles más complejos, generando una sensación de saturación que, sin embargo, nunca llega a afectar al espectador.

Esta película es, desde mi punto de vista, una de las mejores Comedias españolas de la Transición. En ella se analiza el Franquismo tardío como un sistema basado en redes informales y privilegios. Así mismo, la caza funciona como metáfora: un ritual donde lo importante no es el resultado, sino las relaciones que se establecen.

6. El cine de Berlanga en la Transición española

La trayectoria de Luis García Berlanga se extiende hasta bien entrados los años 90, así que siguió directamente los cambios sociales y políticos que se producen tras la Dictadura. Berlanga adapta su mirada al nuevo contexto democrático. La escopeta nacional (1978), sus secuelas y otros éxitos como La Vaquilla analizan la transformación de las élites y la persistencia de viejas estructuras de poder. Lejos de adoptar una postura triunfalista, su cine en la Transición mantiene un tono escéptico. Quizá España se vista de democracia, pero la sociedad refleja otra cosa.