Friedrich Wilhelm Murnau fue un auténtico pensador visual. A pesar de su corta filmografía, es extremadamente influyente en la historia del cine al conseguir una síntesis perfecta entre narrativa cinematográfica y emoción. Dedico esta entrada a Murnau, su estilo y sus mejores películas.

Su obra se convirtió en uno de los pilares sobre los que se edificó el cine moderno. Murnau no fue únicamente un realizador destacado del Cine Mudo, sino que comprendió el cine como un lenguaje autónomo; ése capaz de expresar lo invisible —el deseo, el miedo, la culpa, el destino— mediante el movimiento, la luz y el espacio.

En sus películas confluyen el Expresionismo Alemán, el romanticismo tardío europeo, la sensibilidad simbolista y una profunda intuición psicológica. Con Murnau, la cámara no se limita solo a grabar, sino que empieza a pensar.

1. Comienzos de Murnau en el cine

Murnau nació en 1888 en Alemania y se formó en un ambiente intelectual refinado. Estudió literatura, historia del arte y filosofía, y fue discípulo del influyente director teatral Max Reinhardt, al igual que Ernst Lubitsch. Esta formación escénica sería crucial para su posterior dominio de la puesta en escena, el espacio y el gesto.

Su entrada en el cine se produjo tras la Primera Guerra Mundial, en un contexto en el que la industria alemana, especialmente el poderoso estudio UFA, buscaba consolidar una identidad artística nacional frente al dominio de Hollywood. Sus primeras películas, muchas hoy perdidas, ya revelaban su interés por el estudio psicológico de los personajes y por la atmósfera como elemento narrativo.

2. Phantom, obra destacada del primer Murnau

La película más destacada de su primera etapa en el cine es Phantom (1922), que constituye una de las primeras grandes exploraciones de Murnau sobre la obsesión y la fragilidad mental. Basada en una novela de Gerhart Hauptmann, la película narra la historia de un joven cuya vida se desmorona tras un encuentro fugaz con una mujer de clase superior. La tesis del film es el deseo de ascenso social que conduce a la autodestrucción.

Murnau comienza a desarrollar su uso característico de la cámara subjetiva. La realidad se distorsiona visualmente para reflejar el estado mental del protagonista. Las composiciones se vuelven inestables, los encuadres se inclinan, y los espacios parecen oprimir psicológicamente al personaje.

3. Estilo y claves de la narrativa cinematográfica de Murnau

El estilo de Murnau se caracteriza por una síntesis única entre lirismo visual y precisión dramática. Sus principales rasgos incluyen:

• La cámara en movimiento

Murnau fue uno de los primeros directores en liberar la cámara de su función estática. Con la colaboración del gran director de fotografía Karl Freund, desarrolló complejos movimientos de cámara que acompañaban emocionalmente a los personajes. De esta manera, la cámara no observa: participa.

• El espacio como expresión psicológica

En su cine, los espacios no son neutros. Reflejan estados mentales. Las arquitecturas se vuelven opresivas, los paisajes revelan conflictos interiores.

• El uso simbólico de la luz

La iluminación define la estructura emocional de sus películas. Las sombras adquieren presencia dramática autónoma.

• La narración visual pura

Murnau aspiraba a un cine sin dependencia de intertítulos. Su ideal era un cine comprensible universalmente mediante la imagen. Este principio alcanza su máxima expresión en cada una de sus obras.

4. Las 4 mejores películas de Murnau

4.1. Nosferatu (1922)

Se inspira en la novela Drácula de Bram Stoker (uno de los relatos clásicos de terror más adaptados al cine). Esta película constituye una de las obras fundamentales del Cine de Terror. La interpretación del vampiro que hace Max Schreck es una de las más inquietantes de la historia del cine. Murnau utiliza paisajes naturales en lugar de decorados y esto produce una inquietante sensación de realidad. La famosa escena de la sombra ascendiendo por la escalera constituye uno de los momentos más icónicos del cine.

El vampiro representa la irrupción de lo irracional en el mundo racional moderno. Es la encarnación de la muerte, pero también del deseo reprimido. El film puede interpretarse como una metáfora del contagio, del miedo al otro y de la fragilidad de la civilización.

4.2. El último (1924)

Esta película cuenta la degradación social de un orgulloso portero de hotel que pierde su empleo y su identidad. La película explora la identidad como construcción social y viene a ser una tragedia sobre la humillación y la alienación en la sociedad moderna.

Representa un punto de inflexión en la historia del cine gracias a la eliminación casi total de intertítulos. La historia se cuenta exclusivamente mediante imágenes. La cámara se mueve libremente siguiendo al protagonista y anticipando su caída. La famosa escena en la que la cámara gira para expresar la embriaguez del personaje constituye uno de los primeros usos plenamente expresivos del movimiento de cámara. El trabajo visual del director de fotografía Fritz Arno Wagner es fundamental para crear la atmósfera opresiva que el filme requiere

4.3. Fausto (1926)

Esta película representa el punto culminante del Murnau alemán. Visualmente, es una de las obras más ambiciosas jamás realizadas en el Cine Mudo. El uso de maquetas, superposiciones y efectos visuales crea un universo de escala cósmica. El diseño artístico, con la participación de Robert Herlth y Walter Röhrig, crea un mundo que parece surgir de una pesadilla medieval.

La película explora el conflicto entre conocimiento y alma. Fausto vende su alma no por maldad, sino por desesperación. Es una reflexión sobre el límite del conocimiento humano y el precio del poder.

4.4. Amanecer (1927)

Esta película, producida en Hollywood por la Fox Film Corporation, es la obra maestra absoluta de Murnau y un gran poema visual por la manera en que la cámara flota y los espacios se transforman. Cuenta la historia de un hombre que intenta asesinar a su esposa, pero redescubre el amor. El tema central es la redención. El amor aparece como fuerza transformadora capaz de vencer la muerte moral.

La película fusiona técnicas expresionistas con realismo americano. Algunas de sus secuencias son ya historia del cine. Léase Plano Secuencia del protagonista en el bosque al encuentro con su amante o la famosa escena del paseo por la ciudad que representa uno de los momentos más líricos del cine.

5. Temas preferentes en el cine de Murnau

Son muchos los temas que Murnau recorrió en sus películas pero destacan los siguientes:

• El destino

Sus personajes están atrapados en fuerzas superiores.

• La fragilidad de la identidad

La identidad puede desaparecer con facilidad.

• La dualidad entre naturaleza y civilización

La naturaleza aparece como espacio de autenticidad.

• La redención

El amor puede salvar.

6. Principales colaboradores de Murnau

Carl Mayer como guionista fue su colaborador más importante. Mayer compartía su visión de un cine puramente visual. En la dirección de arte destacó Edgar G. Ulmer, responsable de la creación de atmósferas visuales complejas. En el apartado de la dirección de fotografía, Freund y Wagner definieron el estilo visual de Murnau.

7. Murnau en Hollywood

En Estados Unidos, Murnau gozó de libertad artística sin precedentes. Sin embargo, el sistema industrial limitó progresivamente su independencia. A partir de Amanecer, filmó para la Fox otras dos películas destacables: Los 4 diablos (1928), un mediometraje que se encuentra perdido y El Pan nuestro de cada día (1930)

8. Influencia de Murnau en el cine posterior

La influencia de Murnau es incalculable y muchos de sus esquemas pueden encontrarse en Alfred Hitchcock, quien adoptó el uso psicológico de la cámara. En Orson Welles que heredó su uso expresivo de la profundidad espacial. En Werner Herzog quien reinterpretó Nosferatu desde una sensibilidad moderna. O en Martin Scorsese, que siempre ha reivindicado su dimensión poética.